H Y P E

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Spike Jonze: El visionario.


Un director de cine popularizado por "Idiota" e idolatrado por "Ella". Para describir tal afirmación habrá que recorrer sus logros fílmicos y debemos empezar observando los vídeos musicales en los que ha intervenido para terminar con la película que lo puso de moda.




Acordémonos por ejemplo de: “it’s oh so quiet” de bjork en dónde hace de lo impersonal algo entrañable, ¿qué me dicen de haber contribuido a toda una generación "noventera" con “100%” de Sonic Youth, “Buddy Holly” de Weezer, “Sabotage” de The Beastie Boys o “Elektrobank” de The Chemical Brothers?. En todos esos vídeos se puede intuir simplicidad en sus escenarios con tomas a detalle que expresan emotividad.

                                                              




                                                                                                    

No está de más mencionar  que  uno de los videos  mas populares  que ha dirigido es “Da Funk” de Daft Punk, en donde no deja atrás la comodidad de sus vivencias y aparece en escena un hombre-perro que vaga conformista por las calles de Nueva York; dejando entre ver  una história de aprehensión  musical e infortunio teatral. 

                                                                 



"Jackass" fué parte de sus creaciones y unos de los programas que le dió popularidad bajo  la premisa de su lado mas idiota traducido a genialidad. 


                                                   
Su carrera cinematográfica deviene con mas peso con una historia de ensueño, se dio un paseo por la infancia y convirtió los terrores nocturnos en un  largometraje “Donde viven los monstruos”. En dicha película observamos una Spike mas maduro que dejo atrás los filtros  verdes y sepias de los videoclips  de antaño y  nos transporta a través de la cámara a paisajes oníricos, de esos que solemos llamar sueño, con monstruos de peluche agigantados y con cuernos que conmueven por carecer de instintos bestial sustituyéndolo con un cóctel de sentimientos de inocencia y fantasía, por supuesto sin olvidar su trasfondo psicológico.
                                                                                   



En lo personal uno de los cortometrajes que marco una figura  de referencia visual, por su capacidad de conmover e inspirar a  la interpretación fue  “I’m here”.con el cual ya es de esperarse lo que sea del director, ya que con éste cortometraje llega a profundizar en la sensibilidad del espectador a pesar de que  se aborda la historia de amor entre dos robots que podrían parecer de lo mas fríos. “Mourir auprès de toi” y “Scenes From The Suburbs” fueron otros de sus cortometrajes que tienen ese instinto revelador.
                                                                 










Finalmente llegamos a su máxima obra, “Her”, con la que ganó el Oscar a mejor guión original y por supuesto fue nominado a mejor director por la misma. Una película que lo lleva a su máxima expresión como artista, cumpliendo con los requisitos musicales al hacer partícipe a Arcade Fire como parte de un detalle excelso, Visualmente nos enriquece con futurismo y su recalcitrante lentitud con la que delinea situaciones comunes y las desorbita a una implosión de abstractos sentimientos.


Para no ir mas lejos, habrá que detenernos en el análisis de su trabajo y sugerir que la palabra que lo define es “visión”, la que a creces lo a llevado a evolucionar y encontrar una técnica que lo identifique para estar de moda. Spike Jonze un director visionario, que por cierto también le hace de actor y músico cuyo espesor de talento se tendrá que medir con la misma filosofía con la que deducimos su filmografía.


@leonestoro

Nestor Leonel

Crónica/Reseña [ Tag D.F. ]




No podíamos quedarnos fuera.  Tag D.F. cobro vida en esta semana con grandes expectativas, gran audiencia, un cartel para envidiar y el reto de romper la barrera de "festival primerizo". 
Conferencistas, expositores, gamers, bloggers, cyborgs, medios, trolls, mentes brillantes... 
Todos en un mismo sitio. 
Por si usted no pudo asistir, aquí nuestra experiencia dentro del festival. 


Habíamos visto muchos comerciales de Tag D.F. El festival organizado por Televisa atrapo multitudes desde un inicio ¿Como? Las personalidades que jugaban como headliners: James Cameron, personaje que cualquier cinefilo de corazón esperaba observar, escuchar y fotografiar en persona alguna vez; Moby, nuestro gringo favorito (como se autodenomina el mismo en su cuenta de twitter) y su  dj set bajo el brazo; Brian Eno, ese genio musical que se codea con David Bowie o David Byrne sin problema, sin olvidar sus proyectos tecnológicos y mucho menos de compositor; y el carismático Steve Wozniak, golpe al corazón de cualquier mexicano que traiga con orgullo una playera geek o le pegue la calcomania de la manzanita a la cajuela de su coche.   
Alfonso Cuaron, Neil Harbisson, Google, VICE, Charlie Todd, Girl Talk... Tag D.F. empezaba con la confianza de traer tal cartel de fondo. Y el venue parecía el correcto, el favorito: Centro Banamex e Infield del Hipódromo, al norte de la ciudad.        Todo listo. La tecnología había encontrado el lugar perfecto para ser discutida, compartida y aplicada por dos días continuos. Bastaba con cruzar los detectores de metal y empezar a cambiar. Con el ambiente más recargado hacia la tecnología, 3 pisos del centro Banamex habían sido irrumpidos por gran cantidad de asistentes muy diversos. Mientras se caminaba por las salas del festival uno veía de todo: Geeks, no tan geeks, muchos muchos empleados de Televisa, uno que otro conductor famosillo, gente interesada en medios electrónicos, ¡Gamers! Cantidades de gamers; y nosotros los que nos habíamos dado cita para ver como funcionaba un evento así en su primer año. 
La primera sorpresa, ver que el festival no se quedaba solo en salas de exposición y que demandaba subir y bajar 3 pisos entre secciones, para llegar al Infield y encontrarte con el resto del festival. Demandante. Las caminatas eran de consideración, subir y bajar rampas durante 12 horas nunca es sano. 
En el primer piso se localizaba el "Speakers D" la sala que recibiría a todos los nombres grandes del festival, grande pero no tanto, con un escenario como esos que solo Televisa sabe hacer y ya. Nada más. Eso si: solo dos elevadores para accesar, o salirte por completo de las salas, pasar por los detectores de metal (ritual de quitar cinturón, celular y revisar mochila incluido, en cada ocasión) para volver a la sala. Aquí empezábamos nuestro festival, con un headliner: Steve Wozniak y su charla sobre las computadoras en el pasado, presente y futuro en cuanto a educación. Primer gran acierto de Tag: La traducción. 

El festival te daba la oportunidad, a cambio de una identificación, de llevar contigo unos audífonos conectados a una "grabadora" o "reproductor" donde traductores hacían su chamba a la par de la conferencia. Éxito rotundo. Aquellos que el ingles les provocaba algo de dificultad, podían ir por ahí sin la preocupación de no entender lo que su expositor favorito le platicaba.
Steve Wozniak dio una gran platica, con un foro lleno que se preocupo por llegar temprano para no perder detalle y encantado de ver a tal personalidad abriendo el festival. Dedicado a su tema, sin tocar más preguntas obvias sobre Apple, Wozniak recibió el aplauso y se propuso contestar las preguntas en vivo. Ahí si fue atacado por los Applefans que no dieron oportunidad de cambiar de tema, digo, bastante normal que eso pasara, aunque ese problemas existió en la mayoría de las preguntas con las grandes conferencias, ninguna pregunta era realmente algo inquietante para la audiencia o el expositor, o con el fin de ampliar el detalle de lo ya platicado; las preguntas se ocuparon más como para resolver las dudas del fan que había ganado el micrófono. Le quitaba lo "místico" a algunas de las conferencias...



Siguió Julia Kaganskly, representante de VICE y presentando
The Creator's Project: Todos estos proyectos presentados en su pagina web tocados más a fondo y de la forma que la revista lo ve. Por sorprendente que se lea, la sala se vacío a más de la mitad para presenciar a Julia, dejando a un lado el debate sobre la seguridad que pone EUA a sus usuarios web, en plataformas como Facebook o Youtube; las aplicaciones tecnológicas hacia el arte en la zona Oriental del mundo, los problemas bélicos en Irán o Egipto, y las mil y un opciones que tiene el led para instalaciones lumínicas involucradas con intervenciones artísticas o culturales. De mis conferencias favoritas sin duda.

Al salir de ese primer piso, me puse como destino conocer el resto en orden, es decir, ir de piso en piso conociendo el lugar.
Al hacer eso me di cuenta que Tag tenía tantos voluntarios como asistentes, y que todos ellos te ofrecían tanta información como tu desearas. Punto para Tag.
Entre al segundo piso: Labs. Camilo Lara andaba por ahí, Neil Harbisson en su primera intervención. Labs era el área de talleres y charlas que requerían registro previo para asistir, así que solo andaban en ese piso aquellas personas que tenían el privilegio. Por suerte contaba con una pulsera que me permitía entrar, subir, bajar, pasar o quedarme por cualquier lugar. Labs era mucho más tranquilo que el resto del festival, no se escuchaba más que el eco de las charlas y gente descansando en uno de los tantos sillones que colocaron ahí. Era el lugar de descanso del festival. La red gratuita de internet que te daban al ingreso tenia mejor conectividad ahí. La vista era lo mejor: un panorama completo que iba desde el escenario donde más tarde nos daríamos cita para Dapuntobeat, hasta los domos y carpas que tomaron el infield del Hipodromo. Después de eso regrese de inmediato a los elevadores, me había dado cuenta que por lo que Tag D.F. se nombraba Festival, estaba bajando ese piso.


Salí del escenario y me encontré con mis enemigas las rampas, y es qué para entrar había 2 juegos de rampas, como de estacionamiento, que conectaban los elevadores con el Infield. Como recompensa, la parte del festival que estaría en cada perfil de Instagram de cada asistente, organizador o expositor.  Un túnel de luces láser, que al cruzarlo reaccionaba de distintas formas, jugando con humo y colores, dando la sensación de cruzar una interfaz. Era imposible no sorprenderse con la instalación, escenario de cuanto reportero había y de fotos de perfil próximas a ser subidas a la red. Tenía todo el sentido para lo que estaba por ocurrir, nos alejábamos de ese traje formal para entrar a consumir y generar tecnología.


El corazón del festival estaba ahí: el Infield era donde todos queríamos estar, con sus carpas y pasto que daban idea de un festival más que de una convención, donde se encontraba todo: medios, miniforos televisivos, stands que iban desde marcas de celulares, como Samsung, una zona destinada a la ciudad, y stands de los patrocinadores, sección de viejos arcades y la muestra de robotica por parte del IPN, junto con el modelo tecnológico que ofrece la UNAM.
Pasando ese primer domo, nos encontrábamos con esas mini-salas donde expondrían personajes como Bahigh Acuña con su charla sobre Spotify y la nueva forma de distribución de la música, o Jesús Lopez Reyes que nos contó como ha cambiado la fotografía con el paso de la tecnología y como su experiencia como fotógrafo para National Geographic ha revolucionado también con estas tecnologías.
Siguiente de esta zona, la que tuvo mas afluencia en ambos días: El Gaming. Primero con un museo increíble de la evolución misma de las consolas, Nintendo, las viejas pistolas para matar patitos virtuales allá por los ochenta hasta las nuevas buenas como PS4 y la nueva Xbox.
Y es qué era imposible ver tanta gente moviendo dedos simultáneamente. La carpa nunca paro de escuchar disparos, goles, puntos, y combos. Cientos de jóvenes le entraban durísimo a cada stand de consolas. Y si no estaban frente a la pantalla, estaban frente a lo creadores: EA sports y su charla sobre FIFA14, concurso de narración deportiva, charlas de animación en 2D (No todo fue siempre digital y HD) y filas y filas para los freeplays de Halo 4 o Madden, más las solicitadas fotos con personajes como Scorpion o Chun-Li que rodeaban la carpa más movida del Tag D.F. Gamerland. Sin duda.




La sección de Gaming junto con la de Comics, que guardaba a DC y a Marvel juntos fueron la sensación para la mayoría del publico joven que asistió a Tag D.F. Pasaba de vez en cuando a hecharles ojo y en ningún momento las vaciarse, solo se llenaba más y más. No me quede, los gamers son muy especiales en cuanto a filas y cuanto trataba de acercarme, ponían cara y cuadraban a su pandilla. La deje por la paz.
Me encamine de vuelta a la salida y me dispose a alcanzar la platica de Google, Wikimedia con Gabriela Warkentin como mediadora; la idea de ver a mexicanos hablando de tecnología me emocionaba demasiado.

Aprendí sobre los Copyrights, sobre el compromiso que trae Google con sus Google Glass y que Wikipedia paso de ser esa pagina de internet para estudiantes a ser una pagina completamente seria, como una enciclopedia lo es. Gabriela Warkentin me voló la cabeza y me fui encantado. Había entendído cualquier tema del que hablaron, me dejaron generar conclusiones y me dispuse a comer en completa paz.
Venía lo mejor: escuchar a un cyborg de viva voz, como Neil Harbisson; pelearme un buen lugar como todos para Brian Eno y tomarme una cerveza bien fría.

En la hora de comida tuve la única platica que tuve con alguien que no fuera yo mismo, ya que iba solo. Y de compañero de hamburguesa y cerveza me encontré a un compatriota de Durango, embrujado por la ciudad y el festival que hacia bloggs en la casi extinta Blogspot.com y ahora le va a entrar a hacer su propio proyecto empresarial. Me recomendó tomar un taller, de verdad tomarlo, no solo entrar a ver, me pregunto de un lugar para cenar después de Tag, porque no contemplaba para nada a Dapuntobeat y a Girl Talk, y pues porqué era de Durango, se hiba a ir antes; y se despidio tirandome un elogio de mi edad y mi facilidad para hablar con desconocidos. Apretón de manos, intercambio de usernames en Twitter y un ¡salud! honesto con la cerveza más cara del dia.

Era el momento de las decisiones, sacrificar unos por otros, como en todo festival. Me dispuse a apartar mi lugar con Neil, para un buen lugar para Eno y así. Nada me salió. Neil alcanzo a llenar a poquito más de la mitad del foro. ¿Porqué? No lo entiendo. Dio una gran platica sobre su vida como cyborg, los colores como notas musicales como el las ve. Y el color visto como un adjetivo para cada persona, dependiendo de personalidades y colores de voz. Divertida, tomando su enfermedad como broma de vez en cuando, contando experiencias personales, ágil. Es realmente un cyborg, es una persona que añadio tecnología a su cuerpo no como aparato externo, ahora es parte de el, salido de la ciencia ficcion. Otra gran charla y Tag D.F. estaba a horas de cumplir su gran objetivo.

Aun con los problemas técnicos que sufrió, no demérito su charla. Las preguntas pasaron por lo mismo: dos fans ganadores, uno preguntando como funcionaba su antena, algo que Neil trato en una hora y media y todos entendimos menos el entrevistador. Y otro preguntando de que color era su voz, Neil lo contestó y el afortunado corrió a contar su anécdota. Así se fueron las dos preguntas del publico para el primer cyborg en la historia de la humanidad. Pfff...

Seguía el moverse de sillas y agarrar el mejor lugar para la conferencia: Brian Eno. ¡Sorpresa! La organización decidió sacarnos a todos, ponernos en estúpidas filas y mantenernos de pie por más de una hora, mientras ellos hacían un "cambio escenográfico importante" que no era más que colocar una separación frente al escenario y el resto de las sillas, donde las grandes personalidades tendrían asiento. Televisa se hacía presente.
En la hora de fila, se escuchaba el soundcheking de Brian Eno, que no hicieron a tiempo. Más el de miles que nos quejabamos de la mala organización mostrada. Todo iba bien... Hasta ese punto.
Se me acabaron las piernas. La paciencia. Los cigarros.
Regresamos y nos sentamos para escuchar las quejas del productor sobre el mal audio, son unos bastardos.

¡Momento! ¡Brian Eno ya estaba en el escenario! Esperen: poquita decepción. Nunca se acomodo. No logro completar su tema totalmente. No le gustaba el hecho de que el hablará ingles y nosotros español. Menciono varias veces que nos veíamos aburridos. Iba de tema en tema y no parecía cerrar ninguno con claridad. Tuvo oportunidades de reír por su humor ingles en las explicaciones. Los que estaban a mi alrededor se hundieron en su celular pasada la hora de charla. Brian no se veía del todo tranquilo con el tiempo, de hecho bromeó que necesitaba de 6 horas para su mensaje. No logró amarrar como todos esperábamos, sabíamos qué era capaz, pero el ambiente no parecía el correcto para el. Dio grandes mensajes entre líneas:
"La tecnología no lo es todo en la vida", "Volver a expresarnos con todo nuestro cuerpo es de vital importancia" "El internet, la tecnología, es un cuello de botella, hay grandes ideas que suelen no completar su viaje". Dicto al mouse como el invento tecnológico más estúpido jamas visto y se vio obligado a cerrar su charla con ese mensaje de que la tecnología no nos aleje de la vida real. Me quedé con eso, este personaje tan capaz de hacer apps que se venden en millones, esta consciente de lo efímero que suele llegar a ser el internet. No había más que escuchar, decidí salirme en ese preciso instante. Aplaudí y tome la salida de emergencia.

Era el final, solo unos pocos decidimos irnos al escenario, mayoría de gente de medios y amigos de los organizadores. Era obvio porque se veían menos pulseras y más gafetes. Empezó la lluvia. Dapuntobeat estaba en el escenario y nosotros nos ocultábamos en la carpa más cercana. Empezarón con su hit, ese de :0  y fue motivo de quitarse el impermeable y ponerse a bailar. La lluvia arrecío. Cerveza en mano y ni la mitad del espacio del escenario lleno. La lluvia empeoró.
Corrimos varios de vuelta a la lona más cercana. Se escuchaban las platicas de lo ocurrido con Brian Eno y de los días pasados, de la necesidad de algunas de quitarse los zapatos y de otros de lo que serían los próximos Tags. De que James Cameron y Cuarón como los mejores de este año; de los talleres tomados, de los que ganaron los torneos de FIFA, de si se tomarón la foto o no con Carlos Loret de Mola y cualquier otro conductor de Televisa.
La lluvia seguía y Girl Talk empezó. Tome el camino de regreso a casa. Me toco cruzarme con algunos de Sicario, los Cafe Tacvba y con toda la gente de producción que quitaba los stands. Me detuve en el túnel de leds, lo vi como nunca: Vacío. Se escuchaba la fiesta que traía Girl Talk de fondo. No me importo.
Cualquier otra sorpresa, la vería hasta Tag D.F. 2014.  Ya era diferente.









A ∩ B ∩ C en el Museo Tamayo. Arte matemático.





Se expone en el Tamayo, una exhibición llamada "A intersección B intersección C" que conjuga el performance para darle vida a figuras geométricas con un propósito tan simple, y a la vez complejo: comunicar.




Escaleras; eso conecta una sala con otra en esta exposición; escaleras que para la artista Amalia Pica son esenciales. El fin del proyecto es que se comunique como un estadio, donde las escaleras sean esas gradas en las que el publico observa lo que sucede en la exposición. A B C es lo que la artista argentina muestra en este espacio desde Abril de este año en el Museo Tamayo. Su trabajo se centra en "una preocupación por encontrar códigos compartidos, ya sea a través de celebraciones, rituales, artefactos comunicativos o políticas educativas que se emplazan en un imaginario común." De ahí  que su trabajo incluya fórmulas de inclusión. Momento. ¿Recuerda usted a su maestro, probablemente de secundaria o preparatoria, que constantemente le repetía aquella frase "Las Matemáticas están en todoo"? ¿Sí? No le mintió. 

A B C se basa, como en trabajos pasados de Pica, en un gráfico matemático: Diagramas de Venn, creado por el matemático John Venn en el siglo XIX, que describe la dinámica ente conjuntos y las relaciones lógicas de inclusión y exclusión. A∩ B ∩ C toma su título del lenguaje empleado en la Teoría de Conjuntos, en la que el símbolo ∩ se refiere a los elementos comunes a dos o más conjuntos.La artista ya había trabajado con esta teoría, específicamente con los diagramas de Venn que son las representaciones gráficas de una agrupación de elementos. Sin embargo, el interés de Pica en el tema no radica en el uso de las 
representaciones o lenguajes matemáticos, sino en el nuevo significado que se produce al exponer dos o más lenguajes.

Retomando el gráfico para recrearlo con círculos de luces, lo presenta junto a la narración de un eco historico de Argentina, aquella dictadura militar de los sesenta donde las reuniones de los ciudadanos estaban estrechamente vigiladas, pues eran vistas como una amenaza potencial para aquel gobierno. Por su relación con la actividad colectiva, los diagramas de Venn y la teoría de conjuntos se prohibieron en los programas educativos de la escuela primaria, ya que podían servir de modelos para el pensamiento subversivo. Así es como el relato dota al diagrama de un sentido diferente e inusual. 

La sala rodeada de estas figuras geométricas hechas de acrílico cobran vida y complementan la exposición en el momento en que 3 personajes (personas) se colocan frente a estas gradas donde el visitante se da cuenta y comprende el "método gráfico" al ver estas piezas de distintos colores complementarse entre si, al cambiarlas de forma y posición. 
Para la artista esto va como una forma de humanizar las geométrica con la activación de los objetos, al ser manejados por estas personas que van creando combinaciones con los elementos geométricos. Aquí es el núcleo de la comunicación, donde dejan de ser aislados y se convierten en partes el mensaje. 

En A B C actuan tres performers, durante distintos momentos del día, y reproducen los diarams de Venn asta llear a formaciones mas comlejas. Cuando esto no ocurre, me refiero a los performers, la sala parece omar el aspecto de una escultura por todo un cuarto, ya que los objetos de acrilico descansan sobre estrucutras de madera... como las escaleras de la sala. 








El performance se lleva a cabo cada ora de Martes a Viernes de 11:30 a 16:30, Sábado y Domino de 12:00 a 16:00. El Museo Rufino Tamayo se encuentra en: Paseo de la Reforma y gandhi, Bosque de Chapultepec y abre de Martes a Domingo de las 10:00 a 18:00.  
¡Cuidado! Esta en sus ultimas semanas de exhibición, no duden en visitar.



El paso de Lance Wyman por México



Un visionario diseñador industrial, allá por los años 60 y principios de los 70, alimento generosamente nuestra incipiente cultura visual y coloco el pilar para los futuros estudiosos del diseño. La ciudad de México fue el escenario, y su obra es más que una identidad: Lance Wyman. 



  Para aquellos que vivieron a finales de los años 60 en la ciudad: mi más honesta envidia. 
Tres sucesos los hicieron entrar en la modernidad, se hablaban de tu con ciudades como Tokio, Roma, París o Londres, todas estas sedes de unos Juegos Olímpicos; estrenaban un tren subterráneo -el metro- y, por si fuera poco, avecinaban un Mundial de fútbol. Platicaba con "Don Migue": personaje de mi colonia, de los más longevos, sobreviviente de aquellos años y cuyo nombre completo aún no me se, a pesar de ser mi vecino por casi más de 10 años; sobre como era vivir de "chavo" en el 68. Platica que fue uno de los años más plenos de su vida por la emoción con la que admiraba esos carteles coloridos con el lema "Todo es posible con la paz" y que su uso era mero decorativo en las paredes de su cuarto, que compartía con sus hermanos...
Qué coleccionaba unos escuditos metálicos que venían como regalo en la bolsa del detergente, con los pictogramas de las disciplinas olímpicas; que recuerda como eran los uniformes de las edecanes; el diseño de la antorcha, los colores usados como puntos de reunión e información para turistas; los boletos, la Villa Olímpica, la ruta de la amistad y sus esculturas sobre el Periférico. Un mosaico brutal de color, imágenes, volúmenes, formas, cuyo culpable tenia nombre y apellido. Lance Wyman comprendió el color como eso: Una fiesta.  

El 4 de Septiembre de 1969, el metro con sus 16 primeras estaciones y sus 12.66 km de recorrido, el símbolo de la M y el logotipo con esa tipografía tan particular. El vivo color naranja en los trenes; los pictogramas de las estaciones y sus señalamientos que en la noche permanecían iluminados; andenes de mármol y fotomurales que decoraban antes al metro. Si para todos aquellos que andaban por las calles en esos días la experiencia fue imborrable, para los diseñadores y habitantes comunes, nos marco de por vida.




Lance Wyman viajo por primera vez a la ciudad en 1966 para participar en el diseño de la identidad de los Juegos Olímpicos que se aproximaban. Para Wyman este viaje fue el principio de una experiencia mayor que influyo en su forma de percibir el diseño. El sostiene que su experiencia en México es un "antes y después" en su trayectoria como diseñador. Philip Meggs escribió en su libro A history of graphic design: "Medido en términos de originalidad gráfica y de innovación funcional, así como por su utilidad para con los visitantes de la XIX Olimpiada, el diseño del sistema gráfico desarrollado por Wyman y sus colaboradores en México, a sido uno de los más exitosos en el desarrollo de los sistemas de identidad gráfica..."

Terminado el proyecto de los Olímpicos del 68, Wyman decide quedarse y trabajar en próximos proyectos: Darle diseño al Sistema de Transporte Colectivo Metro y el sistema gráfico para México 70. 
El Metro: Para comprender el proceso creativo del sistema, no podemos dejar pasar la capacidad que Wyman tuvo para asimilar e interpretar la cultura mexicana con su riqueza gráfica y cara simbólica, la idiosincrasia de los habitantes de la ciudad, aunado el particular momento político y social por el que el país pasaba. Wyman supo desde un inicio que para el proyecto del Metro tendría que aplicar su propio credo: "Comunicar con un mensaje especifico, efectivo, al mayor numero de personas posible y sin que el desconocimiento del idioma fuera un obstáculo". Wyman quería que el sistema reflejara la riqueza icónica que el había descubierto en los glifos mexicanos, pero con el toque de modernidad y vanguardia que se necesitaba.  

El primer paso enorme fue el logo como tal: La M. Era lo primero con lo que te topabas al entrar al metro, una peculiar letra con el fondo naranja. Su simbolismo resultaba muy interesante: el fondo que soportaba a la letra era una representación: del Zócalo, plaza cívica que es el corazón de la ciudad capital. Sobre éste, tres líneas -las tres primeras lineas del Metro- que, conformando los rasos de la letra M, recorren de la ciudad, combinado con el color de los trenes como tal. 


Por otro lado, están lo pictogramas para cada una de las estaciones -un pictograma es, en términos gráficos, una abstracción que en trazos simples sintetiza visualmente significados complejos-. Para el caso del metro, Wyman sabía que se presentaba ante un contexto en el que la tasa de analfabetismo era muy alta,  y para esto su equipo de diseño se estableció dos criterios: 
* Buscar un referente icónico
¿Cómo es esto? Simple, una imagen representativa, comprensible y recordable por el usuario, en el emplazamiento de cada estación, que pudiera ser sintetizado gráficamente (como el grillo en Chapultepec o el  patito en Candelaria), y 
*  Para aquellos pasos en donde no existiera un referente icónico de sitio, optaron por basarse en la etimología del nombre. Ejemplo: En Tacubaya "Lugar donde se toma el agua" el cántaro aparece en su estación. Así, entre ícono e ícono, los usuarios del Metro fueron testigos de como la ente se refería a las estaciones como "la del acueducto" o "la de la campana" o "la que tiene un penacho".  

¿Qué seria de nosotros si esto no hubiera pasado? ¿Como te imaginas al metro si el 68 no hubiera ocurrido, como te imaginas al metro? Sin saberlo de inicio, Lance Wyman se catapulto como un parámetro de la ciudad, se adueño de ella y se izo parte de la misma. Su obra la vemos diario, en carteles o en transporte, desde hace ya mas de 40 años, y sigue siendo tan útil como al principio. Por este motivo, creemos que dedicarle unas letras a tal efecto de una obra, era para nosotros misión obligada. 
Podríamos pasar por Las batallas del Desierto de José Emilio Pacheco, podríamos brincarnos el Sábado Distrito Federal de Chava Flores, si quieren hasta Los Olvidados de Buñuel; pero no tocar la íconográfía de nuestra ciudad, simplemente era un crimen atroz. Esperemos no haberlo hecho tan mal. 



Artefactos y Arte en el CCEmx.



 Iniciativas o instrumentos que reformulan la idea tradicional del museo como dispositivo expositivo. Casos de estudio procedentes de distintas partes del mundo. Se llama Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho y nos muestra una exposición que combina la investigación y la formación de propuestas artísticas; se encuentra en el corazón de la ciudad y se vuelve una visita obligada para aquellos que comparten la idea Do it Yourself, también en el mundo del arte...



Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho es una exposición a cargo de la curadoria de Martí Peran con la producción de Acción Cultural Española y que tiene como colaboradores a algunos conocidos: Casa Vecina, Centro Cultural Casa Talavera, Jardín Botánico, SOMA, Somos Mexas-ATEA y Unidad de Vinculación Artística C.C.U. Tlatelolco, por mencionar algunos. Según Martí la exposición es "como un ejercicio de documentación y reflexión sobre la construcción de artefactos móviles en calidad de elementos para una concepción expandida del museo, o en algunos casos, como una alternativa del mismo..."
La exposición adquiere una puesta en escena caracterizada por una acumulación y selección de iniciativas y estrategias que se despliegan por el espacio urbano. Algunas se camuflan, otras luchan por su visibilidad, unas desarrollan acciones paralelas, otras construyen espacios, otras lo parasitan, unas imitan artefactos auto-construidos ya existentes, otras plantean ingeniosos aparatos innovadores: desde maquinas de escribir "robotizadas" hasta triciclos convertidos en galerías ambulantes. Estos artefactos buscan la interacción directa: el caminar por espacios públicos conocidos, el enfazis en encontrar estas alternativas, para quitar la forma estructural en la que vemos arte. No esta guardado en una sala o en una galería: esta ahí, en la calle, emergente, y se reunieron 13 artefactos originales que se suman a la exposición solo para su exposición en México, hechos por los colaboradores mencionados al principio del post.
Son ideas y proyectos que no tocan solo el ámbito artístico (o cultural) sino que llegan a implicar su trabajo con el territorio social y educativo en la mayoría de los casos que se presentan en la exposición que se pusieron a cuestionar, ante todo, los roles y funciones del museo. La posibilidad de darle un giro a la lógica del museo mediante la construcción de artefactos móviles tiene ya una larga tradición. Desde la célebre maleta de Marcel Duchamp (Boite-en-valise, 1941) las iniciativas para trasladar el ámbito de la experiencia más allá de los límites del museo se han multiplicado. Aquí les dejo la lista de los proyectos mexicanos de "arte ambulante" que pueden ver y no deben perderse: 




1) Caparazón (Ecatepec, Edo. Mex) 
    Israel Torres
El proyecto Espacio Publico Erosionado tiene como objeto de estudio el despliegue de procesos de movilidad, intercambio y colectividad como tácticas de respuesta critica ante mecanismos de desarticulación social en la sociedad contemporánea. 

2) Changarrito (Ciudad de México, Méx.)
    Máximo Gonzáles
Maximo Gonzáles era invitado a Arco 2005. Noto que las galerías y artistas que representarían a México oficialmente, pero considera que los seleccionados solo representa a un sector de la escena. Crea Changarrito y circula por la feria de arte, mostrando y vendiendo el trabajo de artistas mexicanos sobre un carrito que Máximo mando a diseñar. El dinero es 100% para los artistas y Changarrito no cobra comisón. 

3) Galletas Mexicanas (Ciudad de México)
    Gitte Bog
Proyecto en curso que inicio en 2010 con un evento que conmemoraba el terremoto del 85. Para esto los participantes respondieron a la pregunta ¿Que pasaría si otro terremoto ocurriera? Las galletas mexicanas al contrario que las chinas y su suerte tienen mensajes en el interior muchas ideas diferentes de una persona mexicana acerca de un posible futuro terremoto. Y estas no tienen nada positivo- pero son reales! 


 

























4) Guggensito (Ciudad de México)
    Eder Castillo 
Es un dispositivo inflable, similar a los juegos infantiles de este tipo, que remeda la arquitectura del Museo Guggenheim de Bilbao; versión barata (region 4). Ocupa una superficie de 118m2 y alcanza 6 mts. de altura. Alberga reuniones y talleres por si ocupan. 

5) La Bandurria (Ciudad de México)
    María José Villela
La Bandurria tiene como motivo fundamental abrir y recuperar espacios, hacer que la gente se apropie de ellos, acercando a la ciudadanía a los procesos creativos. La Bandurria tiene ganas de aprender de escuchar historias, de crear a base de la memoria de los pueblos, quiere indagar en técnicas  tradiciones, oficios para luego prenderlos y viajar nuevamente, enseñar estas técnicas como si fuera una especie de fertilizante cultural que lleva de un lugar a otro lo aprendido.  

6) Libro Habitable (Ciudad de México)
    Luis Ese
El libro proceso habitable es una herramienta cultural. Un libro no convencional que puede ser habitado y se caracteriza por realizar constantemente nuevas intervenciones y adecuaciones respecto al lugar en el que se situá. Cada adecuación, cada adecuación  cada relación con un nuevo proyecto o un nuevo uso y por lo tanto cada ejercicio genera una nueva edición. 

7) Museo Nómada (Ciudad de México)
    Rubén Miranda
El objetivo de este museo es poner en practica y generar investigaciones sobre el territorio del Centro Histórico y difundiéndolas en este mismo contexto a través de talleres, exposiciones y campañas sobre un pequeño carrito que recorre la ciudad diseñado por ellos mimos.

8) Territorio Exquisito (Ciudad de México)
    Pía Vásquez
Territorio Exquisito, plantea una serie de intervenciones al espacio publico a través de una interfaz análoga y digital: una maquina de escribir re-estructurada a través de programación robotica y sensores de movimiento. Increíble. 

 Frente a este movimiento, Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho pretende catalogar y reflexionar sobre estas y mucha otras iniciativas que, en lugar de extender los metros lineales de los muros del museo, reformulan las funciones del artefacto y lo convierten en una plataforma nómada para la participación directa, para el desarrollo de la investigación social y para la articulación de experiencias educativas. 
Pueden visitarla desde este 9 de Abril hasta el 30 de Junio en la sala Donceles del Centro Cultural de España. Entrada gratuita. 


http://ccemx.org/
http://estonoesunmuseo.com/

ANA VICTORIA CALDERON #Bellezaparaelmundo.



En un momento donde casi todo puede considerarse arte y en el que se abusa de lo conceptual para justificar piezas incomprensibles y lejanas; la obra de Ana funciona como un recordatorio de lo que la belleza, por si misma, puede provocar.



En sus trazos el contenido y la forma se unen. Ana dibuja vida, en su obra todo es naturaleza: plantas. flores, hojas... y cada elemento es ligeramente distinto, cada flor vive en este mundo de engañosos dibujos que podrían ser un patrón, pero que tienen su propia personalidad. 

"Crecí en Cancún al lado del mar, mi casa era como una selva; es lo que tengo adentro", dice Ana al hablar de sus ilustraciones, recordándonos otra cosa básica e importante: el arte de hablar de ti, de lo que eres y de lo que ves. "Yo siempre he creído que el arte acaba pareciéndose físicamente a la persona que lo crea", quizá por eso su trabajo es descrito como girly...


Aunque esta caracterización de su obra pueda resultar -a un nivel general- innegable  tampoco hay que olvidar que todo arte y artista tiene sus obsesiones , en el caso de Ana se trata de hacer cosas estupendas.
Su trabajo ha tenido exposición  en gran parte, gracias a las redes sociales, una herramienta con la cual artistas como ella, que usan técnicas y procesos tan tradicionales y clásicos, aumentan el alcance de su obra. 
Ana tiene la capacidad de exaltar tan mencionada belleza, y de ponerla en primer plano sin negar la modernidad. Si tuviese que describir su obra, lo haría con una sola palabra: claridad.




Ana Victoria Calderon
www.anavictoriacalderon.com/
www.etsy.com/shop/anavicky


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Vans Artist Series - Ana Victoria Calderón from RaRaRa / Light & Noise on Vimeo.

Twitter: @im_alanwers

Fafi para Undiz. Arte y lencería.





La artista urbana Fafi siempre está sorprendiéndonos con sus fafinettes y sus diseños para importantes marcas; esta vez no es la excepción, por medio de su fanpage de facebook ha estado compartiendo unos pequeños adelantos de lo que está haciendo para la firma francesa Undiz, quienes venden trajes de baño, pijamas y ropa interior tanto para mujeres como para hombres...



Undiz ha logrado ser de las preferidas en el continente occidental, renovando con sus propuestas y defendiendo la idea de que “no todo debe de ser igual al resto”. Cada mes presentan dos nuevas colecciones y ofrecen dos periodos de rebajas por año. Sus diseños, son frescos y vanguardistas, pero lo que los ha colocado en el gusto de los clientes, es que siempre intentan mantener el costo de las prendas en un margen no muy elevado.  

Su primera apertura fue en Francia del año 2007 y desde entonces han abierto 78 tiendas en ese país. En el 2012 comenzó su expansión internacional y España fue una de sus primeras apuestas.  



Después del lanzamiento internacional de su novela gráfica “The Carmine Vault”, en la cual retrata la historia de Birtak, un fiel compañero de las fafinettes, Fafi ha realizado varios trabajos creativos, como la producción de vídeos musicales con algunos cantantes, entre ellos: Azealia Banks y Naive New Beaters.  






En el 2010 esta artista ya había demostrado sus dotes para la moda, cuando presento una colección de primavera-verano para Adidas. Y ahora plasma sus diseños en varias prendas para Undiz, las cuales saldrán a la venta este próximo Abril. Lástima que no será cerca de nosotros…





Éstas son las piezas que ya ha presumido con todos sus seguidores.


¡Sobrelleve el fin de semana! Guía practica citadina-dfectuosa.


La ciudad vive muchos días frenéticos; pero en esta humilde redacción, creemos que este fin de semana en particular, sobrepasa cualquier limite. Espere, no es nuestra misión deprimirlo ni mucho menos, sino alentarlo a salir a la ciudad mas cultural del mundo. Las próximas lineas lo invitan a las actividades que se desarrollan en este fin, por si usted no anda en el Foro Sol o sus alrededores... 


Si usted, amigo lector, es de los que ya vio a Blur, le cancelo Morrissey o de plano el festival de este fin de semana (ya sabe, no se haga) no fue de su agrado, aquí nos encargamos de englobar un listado (o guía, esperemos útil) de unas cuantas actividades que la ciudad le ofrece. Nos pusimos como misión delimitar las actividades, de tal forma que usted pase por algunos de los barrios o lugares emblemáticos de este Distrito Federal. Sin mas introducción, esperamos que este post le sea útil y benéfico a su salud: cultural, emocional, y chilanga. 


1.- GURU GALERIA
(Colima&Córdoba. La Roma. D.F.)                                                      Esta tienda/galería de diseño es de las favoritas en el barrio, y este fin de semana nos invita a la inauguración de "Diversión en este proceso" Save the Date. Angy Wills + Meg Adamson este Sábado 16 a partir de las 6pm. Les recomendamos darse una vuelta para presenciar la obra terminada sobre la pintura, hecha sobre una de las bardas de la galería. 
Una vuelta a la tienda, a las exposiciones y a la calle de Colima. 


2.- ARRÓNIZ ARTE
(Plaza Río de Janeiro 53. La Roma. D.F.)
Galería que trabaja con un interés especifico con las nuevas generaciones de artistas mexicanos y latinoamericanos. Su exposición actual "Superestructures" colectiva de la galería suiza Christinger de Mayo. Aproveche los últimos días de esta gran exposición. Llegar en bici ligera tensión.

3.- LAB. ARTE ALAMEDA
(Dr. Mora 7. Centro. D.F.)
Espacio dedicado al Arte-Tecnologia. Tiene la vista perfecta de la nueva Alameda y dos exposiciones interesantísimas: La nueva #PrototipoA y Cinco Variaciones de Circunstancias Fónicas y Una Pausa.
#PrototipoA es una colaboración entre el laboratorio, ARTO, Mimesis Arquitectura e Indiealliance Records. Imperdible. A la par, Cinco Variaciones... es un viaje por sonidos y estructuras fónicas que rayan lo increíble  No dejen a un lado subir al campanario, créanme.


4.- ALDEA DIGITAL 2013
(Zócalo. Centro. D.F.)
Del 16 al 18 en el Zócalo capitalino, esta Aldea buscará, entre otras cosas, quitarles la cara de what? a aquellos que tienen una computadora enfrente y se acerque a la fiebre tecnológica  Navegación fija a una velocidad de 20 Gb/s, 10 talleres, 5,000 dispositivos a préstamo para los asistentes; The Presets, Disco Ruido e IMS para cerrar.
Buenos  conciertos y de a gratis, así nomas. 





5.- FONOTECA NACIONAL 
(Francisco Sosa 383. Santa Catarina. Coyoacán. D.F.)
Llegando al Sur, la Fonoteca nos da muestra de los sonidos de cada barrio de esta enorme ciudad. Paisajes o ambientes que suelen pasar desapercibidos para unos e inevitables para otros. Esta en su semana de inauguración y se antoja de ver tan solo el titulo. Un Jarocho para como andan los climas no caería mal.

6.- MUAC
(Insurgentes Sur 3000. Coyoacán. D.F.)
Para ir a ver a Jonas Mekas en el MUAC hay que ir con tiempo, mucho tiempo. La selección de su trabajo fílmico incluye dos largometrajes: Reminiscencias de un viaje a Lituania y Antología Laboratorium. Son dos horas de un trabajo de clase excepcional; un pedacito del museo del mismo Mekas en nuestra ciudad.    


Twitter: @im_alanwers