Kenyatta A.C Hinkle - Intercultura / Migración / Comunidad

The Huntress

Kenyatta es una de las artistas más jóvenes en exponer en diferentes bienales de diseño y arte alrededor del mundo, y cuya práctica va desde el video, la escritura, pintura y collage. El proyecto ''Kentrifica'' el cual les comparto, fue un ejemplo de esta intersección.

Hinkle reconstruye una identidad ''Kentifrica'' que invita a un compromiso crítico de las intersecciones de: historias personales / colectivas, la migración, la inmigración, la interculturalidad y los problemas de la ''geografía''. Hinkle examina lo que ocurre con los cuerpos en tránsito y la forma en que se contextualizan dependiendo culturalmente a los significantes hegemónicos históricos de la raza y la cultura. 

The Stowaway

Criada en Kentucky, Hinkle, al igual que muchos artistas se dedican a cuestiones políticas relacionadas con la identidad y la feminidad. "Mi madre es una artista, ella logró entrar a una escuela en donde la mayoría de los alumnos eran blancos, y lo que hacía su profesor de arte, era destrozar sus trabajos y constantemente le decía que ella nunca sería artista. Yo creo que heredé su talento, pues me sentía como pez en el agua con mi madre motivándome pues desde pequeña me enseñaron dibujo y escritura.''

Con el tiempo en que Hinkle fue creciendo, también lo hicieron sus intereses creativos, llevándola a talleres extracurriculares a los cuales iba después de su escuela. Con el tiempo fue a parar a un centro comunitario de artes donde su madre era la recepcionista. "Me iba a tomar clases de arte mientras ella estaba en el trabajo, y así podríamos irnos juntas a casa. Así que si no fuera por estos talleres, yo no sería artista.''

The Cualdron

''Al final de mi experiencia universitaria, recibí mi BFA (Bachelor of Fine Arts), y rápidamente me di cuenta de que mi trabajo se estaba expandiendo, esto me convenció de no solo hacer visuales, si no que también me impulso a explorar esfuerzos filosóficos. Este equilibrio, la llamada a la acción, y la necesidad de ser escuchada en mis propios términos, sigue siendo en muchos sentidos la fuerza motriz para seguir creando.''

Welcome

Sin titulo

The Uninvited

The Bloodletters

Hinkle es de las pocas personas que tocan temas de interculturalidad y comunidad racial, enfrentando y gritando lo que no se ha dicho, nos hace reflexionar por hoy, en el porque las nuevas generaciones tratan de reconfigurar la historia tratando de disculparse por el pasado diciendo ''perdón'' en ves de preguntarse ¿como? ¿por qué? y aprender de ello. 

Twitter / Instagram - @PVAEL

El arte de escribir de Gabriel Martínez Meave

Gabriel Martínez Meave es un Diseñador Gráfico mexicano el cual, gracias a su talento, ha trabajado en muchas de las distintas ramas del Diseño, tales como ilustración, tipografía, publicidad, pero en especial su pasión es el arte de escribir: LA CALIGRAFÍA.

Martínez Meave es conocido dentro del mundo del Diseño por su trabajo para compañías internacionales como Warner Music, Unilever, Coca Cola, Heineken, así como también por su trabajo para distintas agencias: Leo Burnett, Ogilvy & Mather y Terán TBWA. Cuenta con un amplio catálogo de clientes nacionales e internacionales que lo hacen posicionarse como uno de los mejores diseñadores gráficos mexicanos, a su vez ha sido publicado en diversas revistas de Diseño e Ilustración de países como Brasil, Alemania, Francia, Chile y por supuesto, México.

Pero hablemos un poco más de su trabajo con las letras. La caligrafía es 'el arte de escribir con letra artística' (letras ESCRITAS) y como podemos ver en el trabajo de Gabriel, es un arte que domina a la perfección, creando tipografías con un diseño más artístico, combinando ornamentaciones y estilos góticos, medievales y en algunos casos, hasta prehispánicos. Letras que lejos de ser un simple texto, conforman una obra de arte, sin necesidad de una imagen que las acompañen.

Gabriel Martínez Meave imparte cursos con la finalidad de que los interesados aprendan a planear y componer un diseño caligráfico o un lettering (que a diferencia de la caligrafía son letras DIBUJADAS), esto a través de una metodología que incluye temas como estilos, ornamentaciones y ejecución del diseño.

Su próximo curso será el 6 y 7 de Septiembre en la Ciudad de México, con un costo de $1,995 (antes del 1º de Septiembre) y de $2,250 (después del 1º de Septiembre), incluyendo Plumón caligráfico Artline y plumilla puntiaguda con manguillo, materiales de dibujo, tinta, papel, materiales de referencia, snacks durante todo el curso y un diploma rubricado y el cupo es limitado.

Si quieren saber más acerca de los talleres que imparte, no dejen de visitar su página de Facebook, y para checar más acerca de su portafolio su página oficial. 

Roy de Rat, la máscara de la ilustración.

Con tan sólo 21 años, Roy de Rat está trabajando arduamente para posicionarse como uno de los mejores talentos emergentes de la escena de la ilustración en México. Su misteriosa identidad es su sello, lo que hace que éste ilustradorparezca más interesante, pero no queremos indagar en su persona pues lo que nos importa es su trabajo y talento.

Roy es originario del Estado de México y actualmente cursa la Licenciatura en Diseño Gráfico, aunque lo que ha aprendido ha sido de manera casi autodidacta y considera su técnica como "Transmisora visual estática".

Su estilo se caracteriza por ser (en su mayoría) retratos vectoriales de mujeres que, más que sólo ser una ilustración, pareciera que tienen una historia que contar, expresiones y miradas que transmiten sentimientos. Y esto es lo que Roy busca principalmente, una respuesta a través de sus ilustraciones, ya sea de aceptación o rechazo, además de proponer algo distinto a todas esas imágenes violentas que vemos a diario.

La mujer actualmente conlleva un contexto social, religioso y político muy fuerte, es un ser que a través de los años ha sido estigmatizado, rechazado y subestimado, es por eso que Roy ha tomado su papel como su principal inspiración, para así mostrar otra cara de la mujer, admirando su belleza, su fuerza, su perfección y al mismo tiempo, su vulnerabilidad.

Artísticamente hablando, entre sus principales influencias e inspiraciones destacan Jamie Hewlett, Mike Mitchell, Alex Pardee, Jaw Cooper, Shepard Fairey, entre otros.

Algunos de los proyectos más importantes en los que ha colaborado son: Diseños de Moda y pasarela en IES Moda Casa de Francia, Diseño Textil para Casa Diaz en el World Trade Center, Carteles de conferencia para Lladró, gráfica para el ISSSTE, Diseño de Carcazas pasa MUDIS, entre otros.

Pero para Roy el mejor proyecto siempre es el personal. Al trabajar sobre un proyecto personal tiene la libertad de desarrollar un concepto y de ésta manera salir de su área cómoda de trabajo y enfocarse a avanzar en los conocimientos de las herramientas que utiliza.

Roy es otro gran ejemplo del talento mexicano emergente, la ilustración en nuestro país va creciendo de a poco y nos da mucho gesto saber que se está reconociendo su trabajo. A pesar de que su corta edad algunas veces ha sido un obstáculo, esperamos que deje de serlo no sólo para él, sino también para otros artistas que se han encontrado en su misma situación.
Si quieren conocer un poco más del trabajo de Roy de Rat, pueden checar su portafolio en Behance, así como su Facebook e Instagram, donde constantemente nos muestra un poco de lo que está realizando.

Fernando Andriacci / Bestiarios llenos de secretos.

La Ilustración de Fernando Andriacci, tiene demasiados elementos técnicos que rompen con la percepción de nuestra imaginación. El arte oaxaqueño siempre ha tenido un basto mundo de símbolos culturales, los cuáles hacen trascender cualquier obra que transgreda a la imaginación. Con la ilustración, la escultura, la cerámica y todas las técnicas que domina Fernando Andriacci, nos damos cuenta que no hace falta tener una formación académica para poder hacer "bailar" a los pinceles y a los colores.

“Nací en Cuicatlán Oaxaca,de dónde tengo muy bellos y profundos recuerdos de mi infancia. Yo crecí en un pueblito pequeño, donde hace mucho calor y siempre había muchas frutas. Recuerdo sus olores, sabores, colores y texturas. El mango, la sandía y la papaya. Recuerdo las aventuras de niño cuando íbamos con la chamacada al Río Grande a jugar. Me encantaba observar la naturaleza, las piedras, el correr del agua, los insectos, los árboles. Era un universo desconocido y al mismo tiempo todo era mío. Mi contacto con la naturaleza fue en libertad y con la alegría y el asombro que sólo un niño puede llegar a tener en un pueblo de la Cañada.

Para un niño el mundo es algo nuevo, siempre un reto y no lo conoce. Explorar en el Universo, es algo que Andriacci hizo desde muy pequeño. Los insectos, la naturaleza y el agua, fueron elementos claves para su formación empírica como artista plástico. Estudió en el taller de Rufino Tamayo en Oaxaca y ahí fue dónde adquiere el conocimiento en diversas técnicas, las cuales ha explotado al máximo con disciplina y honestidad.

Lo que yo espero a futuro de mi obra es llegar a “la inocencia prístina”. Cerrar el círculo y llegar al principio, con todo el conocimiento de las técnicas y la experiencia de trazo, pero conservando la esencia de mi primera infancia que se sostiene en la inocencia y la honestidad. [Fernando Andriacci].

Te Invitamos a Conocer más De Fernando Andriacci:

El Libro Vaquero en peligro de extinción

Las palabras ‘’zapatero, teléfono de monedas y Libro Vaquero’’; me remontan a una época que me tocó vivir, pero no recuerdo. Si bien El Libro Vaquero se publica desde hace más de 35 años, día con día, sigue perdiendo seguidores.

¿Se han preguntado, quien compra El Libro Vaquero en estos días?

Sí, son las personas mayores, sí, los zapateros, y sí, las mismas personas que siguen usando los teléfonos de monedas. Lo que está en peligro de extinción son sus lectores, el Libro Vaquero se caracterizó en su época por ser el mayor exponente en la creación de novelas eróticas / románticas en todo México.

La primera edición de El Libro Vaquero fue en 1978, el mismo año en el que los clubes de fútbol regalaban pósters con mujeres desnudas, se estrenó la película de Piraña y los calendarios de bolsillo con ilustraciones de mujeres sexys, eran más populares que el mundial que estaba pasando en Argentina. 

Esta época se caracterizó por la revolución erótica en ilustración y diseño; los calendarios, postales y portadas de libros, en su mayoría eran ilustradas; y tras vivir y superar los movimientos feministas de los años 60’s y 70’s, era de cierta forma mal visto al espectador erótico. Para variar, los artistas se las arreglaron para seguir compartiendo la hermosa expresión cultural del arte erótico, esta vez, de una forma ilustrada y creativa. 

El proceso que se lleva en la creación de este libro, es totalmente artesanal, la ilustración, iluminación, color y tipografía, es hecho a mano por sus nueve colaboradores y artistas quienes han puesto el corazón en este proyecto. El equipo de dibujo está formado por cuatro integrantes quienes trabajan dos meses y medio entre cada publicación.

En los años 80’s, El Libro Vaquero llegó a un tiraje de millón y medio de ejemplares, hoy en día llegan a imprimir un poco más de 400 mil publicaciones semanales, lo cual sigue siendo bastante si lo comparamos con Kalimán y Memín Pinguín.

Rodolfo Pérez, dibujante del Libro Vaquero afirma que su expresión ilustrativa y literaria es sobre ‘’pasión, amor y lucha; pero para nada lujuria y sexo’’, esto es cierto si contextualizamos a esta revista de bolsillo en 1993, donde ya existían 33 títulos de revistas ‘’pornocómic’’ registradas ante la Dirección General de Medios Impresos de la Secretaría de Gobernación. El pornocómic fue tan fuerte en esa época, que se podían encontrar por lo menos cinco títulos diferentes en cualquier puesto de revistas; esta oleada fue tan popular, que pasó lo que le suele suceder a cualquier impacto fuerte en la cultura, así como pasó al harlem shake, a los emos, y a la Coca Cola sin colorante negro. Desaparecieron.

“Durante mucho tiempo trabajé por necesidad y no por gusto en títulos tan tremendos como Chambeadoras, Los Lavaderos y Sábanas Mojadas. Tan tremendos que ahora no existen, la gente dejó de comprarlas”. Comenta Rodolfo. 

Rodolfo define al Libro Vaquero como una historia de morales, donde el frío y rudo vaquero no se acuesta con la mujer por sexo, si no que antes se enamora y de alguna forma termina salvándola de los malos, los forajidos, los asalta bancos, los borrachos, los feos.

Definitivamente El Libro Vaquero forma parte de la cultura popular mexicana, no dejemos que este gran proyecto muera, por sólo ocho pesos se puede conseguir un ejemplar de este legendario cómic en cualquier puesto de revistas.

También podemos entrar a la pagina de ISSUU y leer las historietas en línea, así como en facebook, twitter y tumblr.

Twitter / Instagram @PVAEL

Alan Daniel: Vida y Muerte a Blanco y Negro

Probablemente  ni siquiera hayan oído hablar de Alan Daniel o tal vez ya han leído alguna reseña en revistas de Diseño o visto sus ilustraciones en Facebook o Instagram.

 Alan Daniel tiene 24 años, es un ilustrador emergente

originario de Cuautitlán Izcalli, egresado de la Universidad de Cuautitlán Izcalli de la Licenciatura en Diseño Gráfico.

Su  técnica predilecta es la tinta china y parece ser que él también lo es, pues la domina a la perfección. Uno de los principales temas que podemos encontrar en sus ilustraciones son elementos de la naturaleza, seres vivos que algunas veces contrastan con cráneos, elementos característicos de la muerte, el espacio que hay entre estos dos momentos de la vida es su principal inspiración y lo que hace que las ilustraciones de Alan Daniel sean excepcionales, y hasta cierto punto irónicas; se caracterizan por ser, en su mayoría, en blanco y negro, con texturas o aguadas y achurados, en algunas ocasiones utiliza algunos toques de color, resaltando detalles y juegos de luces y sombras.

A pesar de su corta trayectoria, Alan ya ha sido publicado en diversas revistas de diseño, entre las cuales destacan Picnic, Flint, Revista Kuadro, así como la campaña de Vans y Sharpie, en la cuál intervino 32 pares de tenis que se exhibieron a lo largo y ancho de la República Mexicana. 

Interior Revista Flint

Ha impartido cursos en Arca Mx y conferencias en UVM,  también cuenta con su marca Rivera Clothing Co., ha expuesto en galerías como Lavamp Store y en el evento Sneaker Fever, así como también tuvo una participación en el  Primer Curso Intensivo de Diseño de Sneakers por parte de la PENSOLE FOOTWEAR DESIGN ACADEMY, el cual estuvo a cargo de Nike.

Actualmente Alan se encuentra trabajando como Director de Arte en la reconocida agencia de publicidad Leo Burnett, un logro que no ha sido de gratis, pues le ha valido todo su esfuerzo y talento.

Alan es un gran ejemplo para los estudiantes que provienen de Universidades que no son muy reconocidas, pero a pesar de esto, lo que ha sido su principal arma para colocarse dentro del mundo creativo es su gran talento y sus ganas de ser alguien. Para Alan el único límite que existe es el que nosotros mismos nos ponemos.

Pueden checar su portafolio en su página de Behance y dar like en su Fan Page de Facebook para tener más noticias sobre sus cursos y lo que estará realizando próximamente.

Ilustración para PENSOLE Footwear Design Academy

Twitter: @jeezdali

ART DISTRICT 2013

Art District se plantea desde el 2012 como un proyecto que integra artistas emergentes con propuestas frescas e innovadoras en un mismo espacio, con el objetivo de generar un vínculo entre autores y público, mismo, que fue alcanzado gracias a su capacidad de convocatoria. 

En Agosto del 2013 Art District llevó a cabo su segunda edición, para esta edición se recibieron 950 propuestas de las cuales 45 fueron seleccionadas por el comité organizador. Durante los tres días del evento se realizaron talleres, conferencias y..

pinta en vivo reuniendo un total de 

2500 asistentes que interactuaron con los artistas, creativos y fundadores de cada propuesta 

presente en esta edición, mismos que ofertaron a costos accesibles cada uno de sus productos 

vinculados al arte y diseño como: ilustración, joyería, ropa, editoriales independientes, art toys, 

viniles y accesorios.

ArtDistrict se ha convertido en el espacio que potencializa nuevos talentos emprendedores.

Durante su segunda edición, 45 expositores se dieron cita en las instalaciones de Art District, 

mostrando sus propuestas creativas. Revistas independientes, diseño en cerámica, libretas, pa-

tinetas ilustradas, vinilos de colección, jabones artesanales, imanes ilustrados, libros de arte y 

diseño, joyería y accesorios, fueron solo algunos de los artículos en venta.

Con el objetivo de ofrecer una propuesta diferente al público, mediante una 

alianza con Grupo Horma y Abierto Mexicano de Diseño brindamos 6 confe-

rencias con ponentes de talla internacional, con una convocatoria de 300 asistentes

• Arquitectura - Alfonso Maldonado

• Todo es Diseño - Gala Fernández

• Diseño Industrial - Valentín Garal

• Presentación Revista Ene-O - Matz Estrada, Roberto Hernández e Iván Jiménez

• Cartón Político - Rafael Pineda

• Una Mirada Renacentista del Diseño - Estudio Cayab

Al término de cada conferencia, Corel México quien posee una comunidad de 

más de 100 millones de usuarios activos en más de 75 países, obsequio a nuestros 

asistentes 6 paqueterías de Corel Draw XV.

De manera simultánea al bazar se impartieron 2 talleres de Ilustración Digital presentados por Art District y Arca:

La tercera edición de Art District se llevará a cabo el mes de diciembre 

del 2013, donde 75 expositores podrán mostrar sus propuestas y generar nuevos vínculos con los asistentes.

artdistrict

http://artdistrict.mx/

www.facebook.com/ArtDistrictMx

@ArtDistrictMx

The legend of Zelda en el arte del vinil

Blik, el sitio web especializado en viniles decorativos, presenta su nueva y maravillosa colección, basada en el extraordinario y colorido The Legend of Zelda: The Wind Waker.

Como parte de las celebraciones por el lanzamiento de la versión remasterizada y en HD de Wind Waker, Blik ha lanzado una serie de viniles, diseñados con arte del juego y asemejándose a los vitrales de una catedral. Haciendo uso de la estética cel-shaded del juego y explotando al máximo los colores, tonalidades y bordes en color negro, Blik ha logrado dar vida a Link, Zelda y el Helmaroc King en 8 increíbles diseños de viniles autoadheribles.

Desde Link haciendo uso de su arco y flecha, hasta Link combatiendo el malévolo Helmaroc King, los viniles autoadheribles de Blik capturan algunas de las escenas más emblemáticas de Wind Waker. Los diseños varían en tamaño y forma, con tamaños que van desde los 57cm x 1.07m, hasta 67cm x 95cm. Todos los viniles son sumamente fáciles de instalar y pueden desprenderse por si queremos cambiarlos de lugar.

para ver más haz click aqui